- Qual é a origem e a história do teatro?
- A origem grega do teatro
- A origem do teatro não-ocidental
- Drama litúrgico e teatro medieval
- O florescimento do teatro japonês
- Teatro renascentista e a commedia dell'arte
- A entrada para a modernidade
- O século XX e a contemporaneidade
Explicamos a origem e a história do teatro em diferentes partes do mundo, desde os tempos antigos até os dias de hoje.
Qual é a origem e a história do teatro?
o teatro, o gênero artístico em que o literatura (dramaturgia) e as Artes Cênicas (performance teatral), é uma das mais antigas formas de expressão artística da história. humanidade.
Embora sua origem remonte comumente ao Antiguidade clássico do ocidente, a verdade é que quase todos os culturas antigas tinham alguma forma de teatro ou espetáculo muito semelhante, com o qual educavam seus jovens, rezavam aos seus Deuses ou lembrou-se de seus mitos fundacional.
No entanto, os primeiros a entender o teatro como uma forma de arte em si, ou seja, como "arte dramática", foram os antigos gregos dos séculos VI a IV aC. c.
Os antigos gregos celebravam certas rituais religioso em homenagem a Dionísio, deus do vinho e da fertilidade, conhecido como bacanal. Nestes ritos a dança e os estados de transe eram normais, mas também certa narrativa e encenação dos mitos fundadores, e foi este último que deu origem ao teatro.
A origem grega do teatro
Originou-se no século 6 aC. C. graças a um sacerdote de Dionísio, chamado Thespis, que introduziu uma modificação importante nos rituais: um diálogo que ele realizou com o coro durante cada festival.
Assim, Thespis tornou-se o primeiro ator de palco. De fato, segundo crônicas do século III a. C. Foi o próprio Thespis quem ganhou a primeira competição teatral na Grécia, realizada em Atenas em 534 aC. c.
A partir de então, as competições teatrais tornaram-se muito comuns nos festivais em homenagem a Dionísio, que duravam quatro dias inteiros e utilizavam estruturas de madeira divididas para a orquestra, plateia e palco ao redor da estátua de Dionísio.
Ao longo do século 5 e 4 aC. C. o teatro grego floresceu e tornou-se independente do adoração religioso. No entanto, continuou sendo um mecanismo da sociedade grega para educar seus jovens na religião, a mitologia e valores cívicos clássicos.
Nessa época surgiram os três grandes dramaturgos gregos: Ésquilo (525-456 aC), Sófocles (496-406 aC) e Eurípides (484-406 aC), autores de um extenso conjunto de peças trágicas que abordavam os grandes mitos gregos. Junto com eles, grandes comediantes gregos como Aristófanes (444-385 aC) proliferaram.
O teatro era tão importante na cultura grega que o filósofo Aristóteles (384-322 aC) se inspirou neles para escrever o primeiro tratado sobre arte dramática na história da humanidade: o Poético de 335 aC c.
Da mesma forma, era tão importante para a região mediterrânea da época, que a cultura romana o tomou como modelo e inspiração para desenvolver seu próprio teatro entre os séculos II e III aC. C. Assim surgiram autores de renome como Plauto (254-184 a.C.) e Terêncio (185-159 a.C.), cujos tocam eles faziam parte de um evento muito maior na cultura romana: os Jogos Romanos em homenagem aos deuses.
Os romanos também incorporaram o legado dramatúrgico grego em sua cultura, preservando-o em latim para leitores muito posteriores.
A origem do teatro não-ocidental
Havia também, nos tempos antigos, ricas tradições teatrais no Oriente do mundo, especialmente na antiga cultura da Índia. O teatro da Índia surgiu de danças religiosas e cerimoniais.
Este teatro adquiriu um estudo formal por volta do século IV e II aC.C., a julgar pelo que o Natia-shastra, um antigo tratado hindu sobre dança, música e drama, atribuído ao musicólogo Bharata Muni (datas incertas). Este trabalho estuda, especialmente, o teatro clássico indiano, auge da literatura sânscrita.
Neste tipo de drama figuras muito estereotipadas apareceram como o herói (nayaka), a heroína (nayika) ou o palhaço (vidusaka), em meio a histórias mitológicas e religiosas sobre a origem dos deuses. A performance consistia sobretudo na dança e no diálogo dos atores, vestidos e maquiados, mas sem palco ou decoração.
O teatro indiano foi praticado quase sem interrupção ou mudança por muito tempo, atingindo seu auge entre os séculos III e V dC. Dois dos grandes dramaturgos desta tradição foram Sudraka (século III dC) e Kalidasa (séculos IV-V dC), este último autor de grandes peças de amor.
Outra importante tradição não-ocidental, o teatro da China, originou-se por volta do século VI aC. C. Era composto principalmente por danças, acrobacias, mímicas e atos rituais sem gênero definido.
Os atores, todos do sexo masculino, poderiam desempenhar diferentes tipos de papéis estereotipados, sejam masculinos (sheng), feminino (assim), histórias em quadrinhos (chou) ou guerreiros (ching). Em muitos casos foram usadas máscaras e maquiagens.
A tradição chinesa inspirou versões semelhantes no Japão e em outras nações do Sudeste Asiático, que floresceram nos séculos posteriores e não eram conhecidas no Ocidente até quase o século XIX.
Drama litúrgico e teatro medieval
Após a queda de Império Romano, o teatro no Ocidente perdeu sua antiga relevância popular e religiosa: isso porque o cristandade rejeitou o legado pagão do Europa e fez todo o possível para se distinguir e se distanciar dessa tradição. No entanto, no século X, a liturgia cristã e a celebração da Páscoa eram eventos centrais na cultura cristã, e eram realizadas com grande pompa e cenário.
Assim, no Idade Média surgiu um teatro litúrgico, que reproduziu as cenas mais importantes da mitologia cristã, como a visita de Maria Madalena ao túmulo de Jesus Cristo. Com isso nasceu uma rica tradição de dramaturgia cristã posterior.
Por volta dos séculos XI e XII, muitos mosteiros franceses começaram a encenar histórias bíblicas em uma plataforma fora do templo, abandonando também o culto latino para usar línguas vernáculas, mais próximas do povo. A encenação do Gênesis ou do Apocalipse, ou a vida atormentada dos santos, como a de Santa Apolônia ou Santa Doroteia, era comum.
À medida que esses atos teatrais ganhavam complexidade, passaram a ser exibidos em carros alegóricos ou palcos móveis, para levar a liturgia e a história eclesiástica aos diversos cantos do país. Isso foi particularmente popular na Espanha, e eles ficaram conhecidos sob o nome de carros sacramentais, isto é, dramas da Eucaristia.
Eventos semelhantes foram realizados na Inglaterra na época, especialmente durante a Corpus Christi, e tornaram-se formas populares de teatro, comuns em toda a Europa até o século XVI.
A partir de então, surgiram seus principais detratores: os puritanos protestantes que condenavam o humor predominante e a ousadia em suas representações, e os humanistas Renascença que viu com maus olhos seus frivolidade e sua ligação com uma certa tradição medieval da qual procuravam romper.
Consequentemente, muitas dessas obras foram proibidas em Paris e nos países da Europa protestante, enquanto floresceram na Europa da Contra-Reforma, principalmente na Espanha. grandes autores de barroco Espanhóis como Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) e Calderón de la Barca (1600-1681) são considerados entre os maiores autores do ato sacramental.
O florescimento do teatro japonês
Enquanto isso, no Japão do século 14, uma cultura performática estava se cristalizando. Herdeiro das danças xintoístas e dos rituais budistas, próprios e copiados da China e de outras nações asiáticas, o teatro japonês deu seus passos mais importantes.
A partir de então, três grandes tendências deram seus primeiros passos:
- O refinado drama lírico do teatro noh e kyogen.
- O Teatro Literário de Bonecos Bunraku.
- Mais tarde, o teatro kabuki, o espetáculo dramático da burguesia.
O teatro Noh surgiu em Kyoto por volta de 1374, sob a tutela do xogum Yoshimitsu, dando início a uma importante tradição de patrocínio teatral dos senhores feudais japoneses.
A maioria das obras neste estilo, executadas com infinita graça e refinamento por atores masculinos acompanhados por um pequeno coro, foram escritas nas décadas seguintes por Kanami Motokiyo, seu filho Zeami Motokiyo, e mais tarde o genro deste último, Zenchiku. Poucas peças novas foram escritas para o teatro Noh desde o século XV.
Talvez por isso, por volta do século XVI, o panorama teatral japonês apresentou um certo declínio. A isso deve ser adicionado a proibição de 1629 de todas as apresentações teatrais estreladas por mulheres, depois que as apresentações da sacerdotisa xintoísta O-Kuni causaram agitação entre o público em Kyoto.
É por isso que, no início do século XVII, um novo teatro japonês surgiu para preencher o vazio, refletindo as novas sensibilidades burguesas da época: o Kabuki, um café-teatro de sucesso, que usava cenários luxuosos e figurinos elaborados, cujas obras veio da tradição literária e do teatro de marionetes.
Teatro renascentista e a commedia dell'arte
Como em muitos outros arte e conhecimento, o Renascimento Europeu marcou um antes e um depois no teatro e na dramaturgia. As obras tornaram-se mais naturais, despojadas de sua obrigação religiosa e resgatando o legado teórico de Aristóteles, bem como os mitos antigos e os símbolos clássicos.
O triunfo de burguesia como a nova classe social dominante determinava uma mudança nas sensibilidades teatrais e logo se assistia ao nascimento de novos gêneros e novos estilos, como o teatro barroco espanhol e o teatro elizabetano inglês, em cuja tradição surgiram grandes nomes como Miguel de Cervantes e William Shakespeare.
No entanto, a mais importante das novas formas de teatro foi a Commedia dell'Arte italiana, que surgiu por volta de 1545 como uma forma de teatro de rua e popular, mas realizada por atores profissionais. Muitos dos grupos teatrais eram itinerantes, deslocando-se de cidade em cidade e montando palcos improvisados.
Lá eles representavam pedaços de comédia improvisações físicas, teatrais e peças próprias cujas personagens eram fácil e rapidamente reconhecíveis, pois usavam sempre as mesmas máscaras. Por exemplo, calça ele era um velho pomposo e mal-humorado para quem brincavam e brincavam, enquanto Arlequim era o servo brincalhão e ousado, e Pulcinelli ele era o especialista em espancamento barrigudo e corcunda.
A partir de então, novas formas de espetáculo teatral começaram a se popularizar em uma Europa que valorizava cada vez mais a dramaturgia. o tragicomédia tornou-se um gênero popular, uma espécie de elo intermediário entre comédia e tragédia. A ópera também surgiu no século XVII, e o chamado “estilo italiano” de teatro se espalhou por toda a Europa.
Nesse mesmo contexto, o teatro francês teve um importante boom, pelas mãos de renomados dramaturgos como Pierre Corneille (1606-1684) e Jean Racine (1639-1699), grandes autores de tragédias, e especialmente Jean-Baptiste Poquelin, melhor conhecido como Molière (1622-1673), ator e autor de comédias, farsas, tragicomédias e algumas das obras mais célebres da língua francesa.
A entrada para a modernidade
A próxima grande mudança na tradição teatral ocidental veio com a Romantismo alemão, especialmente Sturm und Drang na segunda metade do século XVIII.
Como no resto das artes, o romantismo teatral enfatizou o sentimentalismo e o drama contra o racionalismo que surgiu com o Ilustração Francês. Ele preferia temas sombrios e misteriosos, especialmente aqueles da cultura popular e folclore.
O legado deixado por autores como Wolfgang von Goethe (1749-1832) e Friedrich Schiller (1759-1805), com grandes obras dramáticas como Fausto ou Guilherme Tell no início do século XIX, foi a inspiração para o nascimento de um novo gênero: o melodrama, que incorporava música para enfatizar as emoções dos personagens.
Da mão de nacionalismo Europeu, esse novo estilo pegou em quase todos os países e produziu obras e autores renomados como Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla e muitos outros.
No entanto, a fundação do teatro moderno propriamente dito ocorreu bem no século XIX, com a fundação do teatro realista, o triunfo do racionalismo sobre os românticos. O realismo enfatizou a necessidade de um teatro naturalista: cenários semelhantes aos reais, performances críveis e despojados de dicção ou gestos grandiloquentes.
Como esperado, o realismo nasceu na França, berço do Iluminismo.No entanto, atingiu seu auge expressivo na pena de autores nórdicos como o sueco August Strindberg (1849-1912) e o norueguês Henrik Ibsen (1828-1906), ou ainda com o também destacado contista russo Anton Chekhov (1860-1906). 1904).
O século XX e a contemporaneidade
A chegada do turbulento século 20 trouxe consigo a vanguardas, uma fonte incessante de inovação formal e estético que deu origem a muitas escolas teatrais na Europa e na América.
Em geral, as vanguardas buscavam maior intensidade e profundidade psicológica em seus personagens, abandonando as três unidades clássicas aristotélicas e muitas vezes abraçando a denúncia e a militância política. Além disso, graças a eles, o papel do diretor teatral ganhou destaque sobre os atores; um papel comparável ao do diretor de cinema.
Os movimentos teatrais de vanguarda são numerosos demais para serem enumerados em sua totalidade, mas vale a pena notar a expressionismo, o "teatro épico" de Bertoldt Brecht, o teatro do absurdo ligado à filosofia do existencialismo e as obras de Antonin Artaud, Eugène Ionesco e Samuel Beckett.
Além disso, o inconformismo e o sentimento anti-burguês da Rapazes Irritados: Harold Pinter, John Osbourne e Arnold Wesker. Outros grandes nomes da época foram Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán, entre outros.
Desde 1960, o teatro contemporâneo tenta se reconectar com as emoções do espectador, afastando-se do teatro épico e das mensagens políticas. São inúmeras as vertentes teatrais que procuram romper com o palco e levar o teatro para a rua, ou incorporar o público ao palco, ou ainda recorrer a acontecendo ou teatro de situação improvisado na vida real.